Kunst & onderzoek

Voor 1990 koppelde ik sobere, ‘technische’ tekeningen aan mijn onderzoek. Maar vanaf dat moment raakte ik, naast onderzoek, geïnteresseerd in communicatie met een breder publiek. Dit betekende dat ik geloofwaardige, maar veel suggestievere beelden moest gebruiken en een passende stijl moest vinden. Mijn opleiding als architect hielp me om perspectief, verhoudingen en schaal onder de knie te krijgen, en de artistieke vezel werd op een meer persoonlijke manier toegevoegd.

Om mijn werk in de media voort te zetten, moest ik een link houden met wetenschappelijk onderzoek. Deze link was mijn sterke punt. Weglopen zou dom en suïcidaal zijn geweest. Ik zou zijn neergeschoten, en terecht, in de hyperkritische onderzoekswereld.

Een particuliere architect is in de eerste plaats iemand die met zijn of haar architectonische creaties problemen oplost die hem of haar door ‘specificaties’ zijn opgelegd. Dat was mijn eerste opleiding.
Ik probeerde me te verplaatsen in de situatie van een architect (ingenieur-architect) uit de Romeinse tijd om de problemen te begrijpen (bij het ontwerp en de bouw van een brug, een aquaduct, een amfitheater) en de meest waarschijnlijke manier voor te stellen waarop hij ze had kunnen oplossen, want de oude teksten hebben ons lang niet alles uitgelegd.

Aquarel is soepel, harmonieus en snel te gebruiken (omdat het snel droogt) en ik had er al een beetje ervaring mee toen ik aan de renderings begon te werken.
Op dat moment moest ik onmiddellijk handelen. Met deze techniek, waar ik dol op was, had ik een kans om niet meteen op mijn gezicht te vallen.

Aquarel is snel, effectief, flexibel en goedkoop in het gebruik. Aan de andere kant heb ik geen training gehad in het beheersen van het elektronische beeld, en ik heb geen tijd om te leren hoe ik dat moet doen. Ik ben alleen betrokken bij de reflectie die rendering vereist, en dit overkomt me voortdurend.

Er zijn andere technieken die geschikt zouden zijn, zoals gekleurde inkt, die ik weinig gebruik, maar op een aanvullende manier. Andere technieken, zoals plakkaatverf of acryl, zouden geschikt kunnen zijn voor anderen, maar ik heb er de ervaring niet voor. Ik heb zelfs nooit de wens of de tijd gehad om ze uit te proberen. Hetzelfde geldt voor olieverf.

Ik mag me nooit zomaar ‘laten gaan’ door me te storten op de spectaculaire effecten van zonsondergangen, zandstormen, schrapen, vervagen en artistieke onscherpte.
Ik ben gebonden aan het didactische karakter van mijn beelden. Ze zijn vooral gemaakt om iets uit te leggen. Ze proberen te laten zien wat we ooit gezien zouden kunnen hebben, en dat is wat belangrijk is. De esthetische vraag staat in dienst van informatie die zonder dubbelzinnigheid moet worden overgebracht. Het beeld moet dus realistisch zijn. Maar ze moeten de kijker ook plezier geven. Het is essentieel dat ze mooi zijn, zelfs verleidelijk, als ze hun rol goed willen spelen.

Het eenvoudigste gereedschap is alles wat je nodig hebt: potlood, gum, Oost-Indische inktpen, liniaal, vierkant, passer, penselen, aquarelverf. Met een pen of een simpele verfkwast kun je een meesterwerk maken of gewoon iets onbenulligs. Het is de vaardigheid en de inspiratie die tellen, maar voordat je een restitutie kunt tekenen, moet je het onderwerp heel serieus hebben bestudeerd: lees de wetenschappelijke publicaties, praat met de onderzoekers en maak een paar schetsen.

Ja, er is heel wat persoonlijk ‘kookwerk’ dat je moet doen om efficiënt te zijn en tijd te besparen. In de echte wereld van communicatie (tijdschriften, uitzendingen) moeten we heel snel reageren. Een manier om tijd te besparen is het inkleuren van serietekeningen. Maar bovenal ben ik gewend geraakt aan het kiezen van het juiste bladformaat. Als het te klein is kan ik de details niet tekenen, als het te groot is verlies ik onnodig veel tijd.
Ik bespaar veel tijd door te wennen aan het opbouwen van een perspectief op een vereenvoudigde manier. Ik heb zoveel geoefend met perspectief dat ik ermee kan spelen en accenten kan leggen die het getekende beeld effectiever en expressiever maken dan het 3D-beeld. Je moet met perspectief kunnen spelen op dezelfde manier waarop Paganini viool speelt of Mozart met de regels van de muziek speelt om dissonanten harmonieus te maken. Het is allemaal een kwestie van oefenen.

De onderzoeksfase die aan een tekening voorafgaat varieert enorm. Het kan variëren van een paar dagen tot meer dan een week, en in het geval van grote tentoonstellingen een heel jaar. Alles hangt af van de hoeveelheid documentatie die moet worden bestudeerd en de moeilijkheidsgraad van het voorbeeld. Aan de andere kant is de uitvoeringstijd voorspelbaar. Voor een plaat van 100 x 60 cm duurt het ongeveer een week. Met veel oefenen zit ik er nooit naast met mijn voorspellingen.

Je moet snel en goed kunnen werken. Als ik eenmaal de rendering van een monument op schaal in plattegrond, doorsnede en hoogte heb bestudeerd, heb ik al een virtueel beeld van het monument in drie dimensies in mijn hersenen. Ik zie het van binnen. Ik kan dan snelle tekeningen (bekend als schetsen) gebruiken om de hoek te bestuderen van waaruit ik het wil laten zien. Ik bespaar tijd door ze klein te tekenen. Als ik dan tevreden ben met een schets, vergroot ik hem automatisch om door te gaan naar de volgende fase, de schets, die preciezer zal zijn.
In de schetsfase is alles op schaal en wordt de tekening verrijkt met alles wat je erin wilt hebben (personages, voertuigen, details). De schets geeft een perfect idee van hoe de uiteindelijke tekening eruit zal zien. Zodra het via internet naar de archeoloog (die vaak ver weg woont) is gestuurd, kan het in één keer worden gecorrigeerd. De volgende fase is het maken van de definitieve tekening in twee even lange fasen.
Eerste fase: potloodtekening, correcties, inkten, gommen.
Tweede fase: arceren, kleuren en afwerken.

De echte start van het grote avontuur zou 1990 zijn. Alles daarvoor kon worden beschouwd als een voorbereidende fase. Alles veranderde toen ik mediabeelden publiceerde in boeken die gericht waren op een breder publiek en in grote tijdschriften zoals Géo, Le Point, L’Express etc. Sommige archeologen en historici met wie ik samenwerkte, van wie sommigen zeer gerenommeerd waren, omarmden de aanpak, anderen waren terughoudend omdat het nieuw was en hun gewoonten een beetje te veel overhoop gooide.

Het keerpunt kwam met de publicatie van Errance, waardoor ik ging samenwerken met een aantal archeologen, waaronder Christian Goudineau, een professor aan het Collège de France en een specialist in Gallië. Andere academici werden al snel mijn bondgenoten, zoals Philippe Fleury, wiens CIREVE laboratorium aan de Universiteit van Caen werkte aan 3D-reconstructies van de monumenten van Rome. De colloquia en wetenschappelijke publicaties die in deze context werden geproduceerd, hebben me enorm geholpen. Maar mijn eigen CNRS-laboratorium (het Institut Ausonius aan de Universiteit van Bordeaux III) was ook een belangrijke steun.

De eerste fase is het verwerven van kennis over het onderwerp: ik moet de beste documenten en adviezen vinden van de onderzoekers die de site hebben bestudeerd. Je moet je een beeld kunnen vormen van het uiterlijk en de functie van de bestudeerde monumenten en een geloofwaardige reconstructie kunnen maken. Deze fase van het onderzoek is fundamenteel; het is wat de reconstructie zijn soliditeit zal geven. De tweede fase is de eigenlijke productie van de afbeelding.
Dit kan met de hand gebeuren in 2D of met de computer in 3D.

Veel van het onderzoek dat aan een rendering voorafgaat, wordt niet gepubliceerd. Je kunt het niet doen in een publicatie die gericht is op het grote publiek, dat is niet het doel van de publicatie, en je loopt het risico dat je de lezer verveelt door jezelf te herhalen. De uitgever wil de afgewerkte beelden gebruiken zoals ze zijn en maakt zich geen zorgen over het telkens opnieuw vertellen van het verhaal.
Ze zijn geschikt als ze worden gepubliceerd in combinatie met een tekst van een gerenommeerd archeoloog. Het bespreken van methodologische problemen op dit gebied is een zaak voor specialisten. Het is binnen een gespecialiseerd kader dat de discussies op colloquia verlopen.

Ik ben zelf historicus en archeoloog, dankzij mijn academische kwalificaties en mijn gespecialiseerde onderzoek en publicaties. Ik ben niet alleen maar een illustrator. De discussie is dan ook op het hoogste wetenschappelijke niveau. Ik breng mijn visie en vaardigheden als architect en kunstenaar in het team.

De multidisciplinaire samenwerking wordt enerzijds geïllustreerd door de wetenschappelijke publicaties van de missies die ik heb geleid, bijvoorbeeld over de Romeinse tempels van Dougga in Tunesië. Het was de synthese van de informatie van de veldonderzoeken en het gebruik van de zeer rijke inscripties op deze site die ons in staat stelde om goed onderbouwde reconstructies te maken en tegelijkertijd paragrafen te publiceren over de methodologie van architecturale reconstructie.
Mijn deelname aan grote tentoonstellingen heeft me ook de gelegenheid gegeven om samen te werken met conservatoren en onderzoekers van toonaangevende musea, waaronder het Louvre, het Carnavalet en het Petit Palais in Parijs, het Musée de l’Arles Antique, het Musée de la Romanité in Nîmes, het Musée de Théâtres Romains in Lyon, het Musée d’Aquitaine in Bordeaux en het Musée de l’Histoire in Marseille.